Comments on musicality, motion in music, and Tabuteau's "drives." Demonstration of ways to practice the musical application of dynamics, vibrato, and rubato. Performance of a portion of Alberto Orefici's Melodic Study #1. By Terry B. Ewell. Bassoon Digital Professor #100. www.2reed.net. Translated by Sunny Cho.
음악성, 음악에서의 동작, 그리고 Tabuteau의 “드라이브”에 대하여 설명. 강약법, 비브라토, 그리고 루바토의 음악적인 적용을 위한 연습법의 시범. Alberto Orefici의 멜로디 연습 1번의 부분 연주. 바순 디지털교수, 테리 이웰에 의해 만들어진 #100. www.2reed.net. 번역: 조선
<Music from Orefici’s Melodic Study No. 1>
<Orefici의 멜로디 연습 1번 중>
1. Welcome to the 100th video in the Bassoon Digital Professor series. I am delighted to be here and celebrate this milestone with you.
1. 바순 디지털 교수 시리즈, 그 100번째에 오신 것을 환영합니다. 저는 이 100번째라는 중요한 기점에서 당신과 함께하게 되어 기쁘게 생각합니다.
2. I have prepared for you a special video that summarizes an important aspect of my pedagogy. That aspect is motion in music.
2. ‘음악에서의 동작’은 저의 교수법에서 중요한 부분을 차지하고 있고, 저는 이 부분을 요약하여 당신을 위해 특별한 영상을 만들어 보았습니다.
3. There are many writings on motion in music. Well known among musicians is David McGill’s book “Sound in Motion.” But McGill is not the only author to use of the metaphor “motion” to describe music.
3. ‘음악에서의 동작’에 대한 많은 글들이 현재 나와 있습니다. 그 중, 음악가들에게 잘 알려진 것은 David McGill의 “Sound in Motion동작에서의 소리”라는 책입니다. 이 “동작”이라는 단어는, 음악을 은유적으로 묘사한 표현으로, 물론 McGill만이 이 단어를 사용한 것은 아닙니다.
4. Many contemporary musicians, music theorists, and philosophers have also written on the subject. I have also made references to motion in music in several of my writings.
4. 많은 현대 음악가들, 음악 이론가들, 그리고 철학자들 또한 이 ‘음악에서의 동작’이라는 주제로 글들을 쓰고 있습니다. 저 역시도 저의 몇 가지 글들에 이 주제에 대하여 언급한 적이 있습니다.
5. References to motion in music extend well back to counterpoint treatises in the Baroque period, if not even before.
5. ‘음악에서의 동작’은 거슬러 올라가보면, 바로크 시대의 대위법에 관한 논문들에서까지도 발견이 됩니다.
6. If you want to explore the subject of motion in music, I have prepared a bibliography for you that is available at www.2reed.net/motion.
So let’s get started.
6. 이 주제에 관하여 더 알아보시길 원하신다면, www.2reed.net/motion으로 들어가셔서 제가 준비한 참고문헌 목록을 읽어보시길 바랍니다. 그럼, 이제 본격적으로 시작해보도록 하겠습니다.
7. So how does a performer add motion to music? What do we mean by musical direction?
7. 연주자들은 어떻게 음악에 ‘동작’을 더할까요? 음악에서 ‘방향’은 무엇을 의미하는 것일까요?
8. Typically we use three ways to show motion in music. These are dynamics (crescendo and diminuendo), varying the speed of the vibrato, and rubato, that is, slight speeding up or slowing down the tempo.
8. 음악을 연주할 때, ‘동작’을 나타내는 방법은 보통 3가지입니다. 첫 번째로 강약 (크레센도와 디미누엔도), 그리고 빠르기가 계속적으로 변하는 비브라토, 마지막으로 빠르기가 살짝 빨라지거나 혹은 느려지는 루바토입니다.
9. There are more ways to show motion, but those are the three we will deal with here in this video.
9. ‘동작’을 나타내는 방법은 이 외에도 더 있지만, 이 비디오에서는 이 세가지만을 다룰 것입니다.
10. Marcel Tabuteau spoke of the term “drive.” This is something that he coined. A drive is a scaling of some aspect of music. It is a musical parameter.
10. “드라이브”는 Marcel Tabuteau에 의해 만들어지고 사용된 용어입니다. 이것은 음악에서 일반적인 기준 혹은 일정하게 정한 음악적 한도라고 할 수 있습니다.
11. Here is an example of a drive using only dynamics. Set your metronome for a quarter-note equals 60.
11. 강약을 통한 '드라이브'의 한 예를 보여드리겠습니다. 메트로놈을 켠 뒤, 4분음표를 기준으로 템포를 60에 설정해 놓습니다.
12. Notice that this is a five count exercise. The first measure is five counts, so is the second, etc. I am indebted to Norman Herzberg for this idea.
12. 이것은 박자를 매 마디마다 다섯 번씩 세어주는 연습으로, 첫 번째 마디뿐만 아니라 모든 마디에서 박자를 다섯 번 셉니다. Norman Herzberg로부터 이 아이디어를 얻었습니다.
13. When you have mastered the five count exercise add a beat to each measure. Keep adding beats to challenge yourself throughout the whole range of the instrument.
13. 다섯 박자씩 세는 연습을 마스터하신 뒤, 각 마디마다 한 박자씩을 더해 다시 연습을 시작하시길 바랍니다. 계속적으로 박자를 더해가며 악기의 모든 음역대에 적용하여 도전해 보십시오.
14. You can also practice dynamic drives with articulation. There is such a great variety to the ways you can practice drives that you can entertain yourself for many hours. Be creative!
14. 이러한 '강약 드라이브' 연습법은 아티큘레이션과도 함께 연습 할 수 있습니다. '드라이브'를 통한 연습법은 다양한 방법들이 존재하여 여러분들이 오랜 시간 동안 연습하더라도 즐기며 할 수 있습니다. 여러분 스스로 이 방법들을 만들어 보시길 바랍니다!
15. Now, let’s take a brief passage from the first Melodic Study by Alberto Orefici to examine musical motion. Orefici is explicit in this passage about the location of the climaxes.
15. 자, 그럼 Alberto Orefici의 멜로디 연습 1번 중의 한 부분을 통해 음악적 '동작'에 대해 살펴보도록 하겠습니다. Orefici는 이 부분을 통해 음악에서 최고조 혹은 클라이맥스에 이르는 지점을 분명히 나타내고자 하였습니다.
16. The downbeat of measure 2 is a musical goal. The fourth beat of measure 4 on the appoggiatura is another musical goal.
16. 두 번째 마디의 첫 번째 박과 네 번째 마디의 앞꾸밈이 있는 네 번째 박이 이 음악에서의 목표지점이라고 할 수 있고, 두 개의 지점들이 더 존재합니다.
17. The last two goals are found on the downbeat of the first measure of the second line and then the appoggiatura E3 in the third measure of that line.
17. 다음 줄을 보시면, 첫 번째 마디의 첫 번째 박과 그 다음 줄의 세 번째 마디에 있는 E3 앞꾸밈음이 남은 두 개의 목표지점입니다.
18. Now, you can practice musicality in several ways. Here is an example of where I play a single tone, a monotone G4, and vary the vibrato and dynamics together. I will tap my foot so that you can hear the beats.
18. 음악성을 기르기 위한 연습 방법 또한 몇 가지가 있습니다. 한가지 예로, 제가 단음 G4를 다양한 비브라토와 강약으로 연주할 텐데, 발을 두드려 여러분이 박자를 알 수 있도록 해보겠습니다.
<Monotone with tapping foot>
<발로 박자를 맞추며 연주하는 단음>
19. I hope that you hear that I project forward motion in the music by means of a faster vibrato and louder dynamics.
19. 비브라토가 빨라지고 강약의 크기가 커질 때, 음악적 동작은 전진하는 느낌을 더욱 가지게 됩니다. 조금 전의 제 연주를 통해 이러한 요소를 잘 들으셨기를 바랍니다.
20. Conversely, motion away from a musical goal is broadcast by means of a release of tension, that is, a slower vibrato and a decrescendo.
20. 반대로, 음악적 동작이 목표지점에서 멀어지게 되는 부분은 음악의 긴장감을 늦추는 역할을 하게 됩니다. 느린 비브라토와 디크레센도가 이에 해당합니다.
21. When I play the monotone, I am listening to the music in my mind. We call this audiation. Here is the monotone again, but this time I will point out the corresponding place in the music.
21. 저는 단음으로 음악을 연주하면서, 그 음악을 마음으로 듣고 이해하려 하는데, 이러한 것을 '오디에이션'이라고 합니다. 단음으로 다시 연주하면서 제가 연주하는 부분이 어디인지 알려드리기 위해 악보를 보여드리고 표시를 해보겠습니다.
<Monotone with tapping foot>
<발로 박자를 맞추며 연주하는 단음>
22. Why is the monotone so important as a practice tool? Well, if you can’t play musically on a single tone, you really aren’t playing musically with many tones.
22. 왜 단음으로 음악을 연주하는 것이 중요한 연습 방법이 될까요? 답은 간단합니다. 만약 여러분이 단순한 단음을 음악적으로 연주하지 못한다면, 여러 가지 음들이 포함된 음악을 음악적으로 연주하는 것은 더욱 어려울 것이기 때문입니다.
23. The many tones are simply masking your inabilities.
23. 이러한 음악적인 부분을 표현하는 것에 어려움이 있다 하더라도, 여러 가지 음들을 연주할 때에는 이 어려움이 그다지 나타나지는 않을 것입니다.
24. Here I will play the monotone for you again, but this time I tongue the beats.
24. 다시 한 번 더 단음으로 연주를 할 텐데요, 이번에는 텅잉으로 박자를 맞추어 보도록 하겠습니다.
<Monotone with tonguing>
텅잉으로 박자를 맞추며 연주하는 단음
25. Did you notice that I didn’t restart my vibrato every time I tongued? It is a terrible habit to link your vibrato to your articulation patterns.
25. 여러분 혹시 제가 방금 전의 연주에서 텅잉을 할 때마다 비브라토를 다시 시작하지 않았던 걸 알고 계셨습니까? 아티큘레이션의 패턴에 맞추어 비브라토를 연주하는 것은 매우 좋지 않은 습관입니다.
26. Don’t do it! The vibrato should operate separately.
26. 절대로 하지 마시길 바랍니다! 비브라토는 아티큘레이션에 맞추어 진행되어서는 안됩니다.
27. Now, you should practice varying the vibrato and dynamics separately. In fact you want to gain such control over both so that you can vary the two independently at will.
27. 자, 이제 다양한 비브라토와 강약을 따로 연습해보시길 바랍니다. 여러분은 비브라토와 강약에 대해 자유자재로 변형시켜가며 이 두 가지에 대해 개별적으로 조절 하시길 원하실 것입니다.
28. Sometimes you might want to increase the speed of vibrato as you decrescendo, for instance. Here is a figure in which dynamics and vibrato are in opposition.
28. 디크레센도를 연주 할 때, 비브라토의 속도를 점점 빠르게 할 수 있는 것이 이러한 컨트롤의 한 예가 됩니다. 이 그림을 보시면, 강약과 비브라토가 반대로 되어있습니다.
29. Now let’s practice rubato, that is the speeding up and slowing of the tempo. I will tongue 8th notes so that you can hear the tempo changes.
29. 자, 이제 템포를 빠르게 혹은 느리게 할 수 있는 루바토를 연습해 보도록 하겠습니다. 제가 조금 있다가 8분음표 박자에 맞추어 텅잉을 하며 연주를 할 것 입니다. 이것을 통해 여러분은 템포가 바뀌는 것을 잘 들으실 수 있을 것입니다.
30. Notice that rubato needs tasteful application. You can’t suddenly speed up or slow down. You need to project to your listener a natural path for the music to follow.
30. 루바토는 섬세한 적용이 필요합니다. 우리는 템포를 갑작스럽게 빠르게 하거나 혹은 느리게 연주 할 수는 없습니다. 여러분이 연주를 할 때, 듣는 사람들이 음악을 자연스럽게 따라올 수 있도록 그 연주에 대해 미리 계획할 필요가 있습니다.
31. It is a bit similar to a tame rollercoaster ride. Smooth descend and ascents. Nothing jerks the rollercoaster, rather accelerations and decelerations happen according to gravity.
31. 이것은 길이 잘 들어 부드럽게 올라갔다가 내려오는 롤러코스터를 타는 것과 비슷합니다. 아무것도 롤러코스터를 갑작스럽게 밀거나 당기지는 않습니다. 다만, 중력에 의해 가속과 감속이 일어나는 것입니다.
<Music from Orefici’s Melodic Study No. 1 with tongued eighth notes>
<Orefici의 멜로디 연습 1번 중 한 부분을 8분음표에 맞추어 텅잉으로 연주>
32. The arcs of the musical lines are also much like a baseball being thrown. If you see the starting its arch and momentarily blink, you still know where the ball will end up.
32. 둥근 활 모양으로 멜로디가 이루어져 있는 경우에는, 야구공을 던지실 때를 생각하시면 됩니다. 던져진 야구공은 활 모양으로 포물선을 이루며 떨어지는데, 던져진 순간을 본 뒤, 눈을 잠깐 깜빡이더라도, 여러분은 공이 어디로 떨어지는지 알 것입니다.
33. Similarly you need to perform rubato in much the same way so that your musical goals seem inevitable. There needs to be a natural result of the musical line.
33. 루바토는 이러한 야구공의 법칙과 마찬가지로 연주되어야 그 루바토의 음악적 목표지점들을 예상 할 수 있게 됩니다. 멜로디의 자연스러운 끝맺음 또한 필요합니다.
34. Now, it doesn’t seem intuitive that in order to play musically you need to be even more exacting and calculating. But when I play musically I subdivide very carefully in my mind.
34. 자, 음악적으로 연주하는 것은 직감적으로 하는 것이 아니라, 더욱 정확하고 계산적인 연주가 필요합니다. 저는 음악적으로 연주할 때, 음악을 작은 단위로 자세히 나눕니다.
35. I am not hearing numbers like “1, 2, 3, 4, 5” but instead I hear pulses or beats much like you heard me play the tonguing pattern.
35. 예를 들어, 연주할 때 "하나, 둘, 셋, 넷, 다섯”처럼 숫자로 나누기보다는, 그보다 작은 단위인 '박' 혹은 '맥박'으로 나누어 음악을 듣습니다. 그 구체적인 예로는, 제가 조금 전에 텅잉패턴을 연주한 것을 들 수 있습니다.
36. Don’t fall into the trap of thinking that musicality just happens spontaneously. Just as technique needs to be practiced, so too musicality needs to be rehearsed.
36. 음악성은 즉흥적으로 생긴다고 하는 함정에 절대 빠지지 마시길 바랍니다. 테크닉을 위해 연습이 필요한 것처럼, 음악적으로 연주하는 것 또한 예행연습이 필요합니다.
37. God willing, I hope I can continue with another 100 videos in this series. I have so many ideas that I want to share with you, but not enough time to produce videos and materials.
37. 하나님께서 원하신다면, 계속해서 이 시리즈로 비디오를 만들 수 있기를 소망합니다. 제가 가지고 있는 수많은 아이디어들을 여러분과 나눌 수 있기를 바라지만, 이것들을 비디오들과 자료들로 만들 수 있는 충분한 시간이 부족함을 느낍니다.
38. Well, to close out this video here is a performance of the first two lines of the Orefici “Melodic Study No. 1. ” God bless you, bye.
38. 자, Orefici의 멜로디 연습 1번의 첫 두 줄을 끝으로 이 비디오를 마치겠습니다. 여러분에게 하나님의 축복을 빕니다. 감사합니다.